Quel est le sens de cette catégorie ?
Nos prochains concerts :
John RUTTER, Requiem
B. BRITTEN, Messe brève
M. Ravel, Pavane, Tombeau de Couperin (extraits)
Église Notre-Dame des Blancs Manteaux
12 rue des Blancs-Manteaux, 75004 Paris
dimanche 22 juin, 16h et mardi 24 juin, 20h
Nathalie Gauthier, soprano
Ensemble Chorus 14
Jorris Sauquet, orgue
Direction Dominique Sourisse
LES SAISONS
Quand Haydn composa l’oratorio profane « Die Jahreszeiten : Les Saisons », il avait presque 70 ans et déjà une très riche vie de compositeur. Au service de la famille princière Esterhazy, illustre en Hongrie, il avait eu toute liberté pour faire des expériences musicales. Mais c’est la découverte et le choc des oratorios de Haendel lors d’un voyage à Londres en 1791 qui lui inspirèrent la composition de la Création et des Saisons.
Les Saisons, composé en deux ans, de 1799 à 1801, sur un livret du baron Gottfried van Swieten, d’après les vers d’un poète anglais James Thomson, The Seasons, fut donné à Vienne en 1801. Ce fut un immense succès, chanté dans toute l’Europe.
0ratorio profane en quatre parties comme autant de saisons dans l’année, c’ est une ode à la nature, au travail et à la vie des paysans. Simon, un fermier, Hanne, sa fille et Lukas, un jeune paysan, dialoguent avec le choeur et l’orchestre.
Les Saisons qui se déroulent chronologiquement sauf l’Eté, en une seule journée, célèbrent les activités des hommes en lien avec la nature.
L’arrivée du printemps, de la lumière, l’éveil de la nature, l’orage, les brumes automnales, la chasse, les vendanges puis le repos de l’hiver, autant de scènes qu’évoque la musique, sur des tons et des rythmes variés, tour à tour joyeuse, chants populaires, danses folkloriques, chansons à boire ou, déjà romantique, méditations devant la beauté de la nature de la Basse – Autriche. Le dernier choeur, d’inspiration maçonnique, glorifie le Créateur.
Comme l’écrivit à Haydn le 16 mars 1804 Carl Friedrich Zelter, ami de Goethe : « vous n’avez créé aucune oeuvre dans laquelle on remarque votre grand âge. Vos Saisons sont une oeuvre pleine de force juvénile et de vieille maîtrise. »
In : Histoire de la musique, Lucien Rebatet, Laffont, « Bouquins »
Les Saisons de Franz Joseph Haydn, ENS de Lyon, Nicolas Gonthier.
Eté qui se déroule sur une seule journée.
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Autant de scènes qu’évoque la musique.
L’ensemble Chorus 14, Paris 5ème, direction Dominique Sourisse, recrute tous pupitres, ténors et basses en particulier pour chanter le Requiem de J. Rutter. Concerts les 22 et 24 juin 2025, église Notre- Dame des Blancs-Manteaux, Paris.
Une pratique musicale est souhaitée.
– Répétition le jeudi 20h-22h, Paris 5ème et un dimanche par mois
– Fichiers audios – tarifs réduits pour les jeunes -26 ans
– Technique vocale
Auditions sur RV avec Dominique Sourisse : mail info@chorus14.net
Retrouvez les concerts des Carmina Burana, avec la vidéo très réussie réalisée par l’orchestre de la Sirène !
L’Ensemble Chorus 14 interprétera 5 motets à double chœur de J.-S. Bach les 9 et 11 juin 2024 à l’église Notre-Dame-des- Blancs-Manteaux, Paris.
Bach composa les motets allemands à double choeur lors de son séjour à Leipzig dans les années 1723 -1750. Les motets ou chants d’église à plusieurs voix étaient exécutés lors d’ évènements particuliers, anniversaires, funérailles ou célébrations à la mémoire de défunts de haut rang. Les motets furent rejoués régulièrement après la mort de Bach. C’est ainsi que Mozart admira le motet BWV 225, composé pour l’anniversaire de Friedrich August de Prusse.
Composition virtuose, le motet dans l’ancienne tradition héritée de la polyphonie de la Renaissance et inspiré des modes du madrigal s’interprète « a capella » c’est à dire sans accompagnement musical, à huit voix en double choeur. Bach suivit la tradition familiale de ses ancêtres mais la porta à un haut degré d’excellence.
La voix est le principal support. Contrairement aux cantates, il n’y a pas d’orchestre ni même de librettiste. Les motets s’articulent autour d’un choral illustrant des textes bibliques, des psaumes et des poèmes spirituels du XVIIe siècle. Les voix du double choeur sont mises en valeur par des canons et des fugues et l’art du contrepoint. C’est une musique complexe que Bach porta à son sommet.
Les motets étaient, certes, destinés à accompagner des événements le plus souvent tragiques, mais il s’en dégage une véritable jubilation.
Pour Philippe Herreweghe : » les motets de J.-S. Bach comptent parmi les oeuvres les plus abouties et constituent un sommet de la polyphonie occidentale. »
J. RUTTER Requiem
CARMINA BURANA
– En 1936, Carl Orff (1895-1982) compositeur et chef d’orchestre allemand passionné par la musique de la Renaissance et Monteverdi, auteur d’une méthode pédagogique qui voulait favoriser le développement de l’enfant grâce à la musique, était encore inconnu du grand public.
C’est la publication de la cantate Carmina Burana qui lui procura un succès triomphal.
Sélection de 24 poèmes chantés parmi les 200 retrouvés en 1806 dans l’abbaye bénédictine de Beuren en Bavière, les Carmina Burana sont « des chants profanes pour soli et choeurs avec accompagnement d’instruments et de tableaux magiques ». Il s’agit de cantates scéniques, de tableaux musicaux parfois très courts où la mise en valeur du texte a toute son importance.
Rédigés au Moyen-Age, vers 1225, en moyen haut-allemand et latin médiéval, ces textes furent retranscrits par un philologue allemand en 1847.
Les auteurs sont des clercs ou des « escoliers », « Goliards », vagabonds, qui sur un ton très libre et un mode parodique se moquent du clergé, exaltent la nature, le printemps, l’amour, le jeu et le vin.
Carl Orff crée une musique simple pour grand orchestre et choeur, riche de pulsations et de rythmes vigoureux, inspirés par les mélodies de l’Allemagne ancienne. S’y succèdent la jovialité brutale des tavernes bavaroises, la douceur des « cours d’amour » bourguignonnes, la force de la nature au printemps.
Le mouvement le plus célèbre est « O Fortuna », choeur initial repris à la fin de l’oeuvre. La roue tourne et le destin est le maître.
Carmina Burana est l’une des oeuvres classiques les plus jouées au monde.
Pour Carl Orff, « la musique habite chaque homme ».
in « Diapason, Karl Schuman et Larousse de la musique »
Concerts 9, 10, 11 décembre 2023, église Saint-Marcel, Paris
Chorus 14 présente en 2023 un festival consacré à Beethoven en mai et juin avec 2 œuvres superbes, trop peu connues :
FIDELIO
Unique opéra de Beethoven, Fidelio fut composé entre 1803 et 18O5, pendant les guerres napoléoniennes, sous le nom de Leonora.
Débutant dans la tradition du Singspiel, avec une succession de dialogues parlés et de morceaux de musique, l’oeuvre se termine comme un oratorio et annonce l’Hymne à la joie.
Remanié en 1806 sous le titre de Fidelio, l’opéra connaitra un grand succès en 1814 dans sa version définitive en deux actes. Le livret en allemand de Joseph-Ferdinand von Sonnleithner reprend la pièce française de Jean-Nicolas Bouilly inspiré d’un fait divers sous la Terreur française.
Beethoven transpose l’action au XVIIe siècle en Espagne, près de Séville, dans une prison d’état. Fidelio, pseudonyme de Leonora, se travestit en homme pour faire libérer au péril de sa vie son mari Florestan, dissident politique, injustement emprisonné par le tyran Pizarro dont il avait dénoncé les crimes.
Leonora incarne le courage féminin, elle se bat contre la tyrannie et sacrifie son existence personnelle pour le bien de l’humanité.
Influencé par les idéaux révolutionnaires et les Philosophes des Lumières, Beethoven compose un plaidoyer pour la liberté et l’indépendance.
« Faire tout le bien qu’on peut, aimer la liberté par dessus-tout et, quand bien même ce serait pour un trône, ne jamais trahir la vérité », écrit Beethoven en 1792.
Le choeur final glorifie la fraternité et l’amour conjugal. Isolé par sa surdité, Beethoven avait peu à peu renoncé à son idéal d’amour partagé, mais son génie sublimera cet idéal dans sa musique. Leonora sauvera Florestan et le tyran Pizarro connaîtra à son tour le cachot.
MESSE EN UT
Commandée en 1807 par le prince Nicolas II Esterhazy à l’occasion de la fête de son épouse, la princesse Marie Hermenegild. C’est une oeuvre novatrice, certains passages annoncent la IXe symphonie et la Missa Solemnis. Beethoven a cherché à mettre en musique chacun des mots de la messe, ce qui lui donne un aspect théâtral et dramatique.
Beethoven par Bernard Fauconnier. Gallimard Folio
Beethoven par André Boucourechliev. Seuil Points
L’opéra en 50 chefs-d-oeuvre par Michela Niccolai. First
LA BILLETTERIE EST OUVERTE : RÉSERVER
– CONCERTS 12 ET 14 JUIN 2022, ÉGLISE ST ÉLOI, PARIS –
Francis Poulenc composa au cours de l’été 1950 le Stabat Mater pour soprano, chœur mixte et orchestre et dédia cette œuvre à la mémoire de son ami le peintre et décorateur de théâtre Christian Bérard.
« J’avais d’abord songé à un Requiem mais je trouvais cela trop pompeux. C’est alors que j’eus l’idée d’une prière intercessionnelle et que le texte bouleversant du Stabat Mater me parut tout indiqué pour confier à Notre-Dame de Rocamadour l’âme du cher Bérard »
Francis Poulenc avait effectué en effet un pélérinage à Rocamadour en 1936 et, saisi par l’atmosphère de la petite chapelle, avait retrouvé la foi catholique de son enfance. Il s’en suivra les Litanies à la Vierge Noire et bien d’autres pièces religieuses.
Il définira le Stabat Mater comme « un Requiem sans désespoir »
Le texte de Jacopone da Todi (XIIIe siècle) évoque la souffrance de Marie lors la crucifixion de son fils Jésus-Christ.
L’œuvre est divisée en 12 parties suivant le texte avec alternance de mouvements « très calmes », « très violents », « très lents », « animés et très animés » selon les indications du compositeur.
Pour le critique musical Jean Roy, « le Stabat Mater commence dans un climat de grande sérénité mais de couleur sombre et s’achève de même mais il est éclairé par le Paradisi Gloria chanté par la soprano »
On peut y trouver des références à la polyphonie de la Renaissance, à la musique grégorienne, au style de Lulli et aux chorals de Bach.
Francis Poulenc accordait une très grande importance au Stabat Mater et au Gloria (1959) dans son œuvre.
En 1952, Francis Poulenc déclarait au romancier Paul Guth :
« L’Agnus Dei de ma messe était un solo de soprano dans un style désincarné. Les Soli de mon Stabat sont, au contraire, d’un style très humain, très expressif… Il y a plusieurs conceptions de l’œuvre chorale avec orchestre. Celle que j’ai choisie est un véritable enchâssement dans l’orchestre d’un chœur qui, même lorsqu’il chante avec l’orchestre, a la contexture harmonique d’un chœur a capella »
Bernadette Huet (alto)
La billetterie est ouverte : réservez vos billets
JEAN-SEBASTIEN BACH – PASSION SELON SAINT-MATTHIEU BWV 244
Dès le XVIIIe siècle, il était d’usage en Allemagne de donner chaque Vendredi Saint une Passion, grande œuvre chorale, récit commenté et mis en musique de la mort de Jésus.
Après la Passion selon St Jean (1723-24), Bach crée le 11 avril 1727, pour le Vendredi Saint, la Passion selon Saint Matthieu, BWV 244, à l’église de Saint Thomas de Leipzig où il occupait le poste de Cantor.
Œuvre monumentale, puissante, la Passion selon Saint Matthieu se rattache à la tradition de la Passion liturgique chantée au cours de la Semaine Sainte, en style d’oratorio auquel on ajoute aux textes de l’ Ecriture Sainte, des paraphrases bibliques, des poésies dites madrigalesques et des Chorals, cantiques de la liturgie luthérienne allemande.
Bach reprend intégralement le texte de l’Evangile selon Saint Matthieu, chapitres 26 et 27, divisé en deux et découpé en épisodes. Il demande au librettiste et poète Picander de rédiger les textes en vers pour les airs (arias) des solistes, introduits par de courts morceaux (ariosos). L’Evangéliste, le Christ, les différents personnages, Pierre, Judas, Ponce Pilate, la femme de Ponce Pilate, des témoins, les prêtres, les soldats et la foule interviennent au cours du drame. A cela, Bach insère 12 Chorals, cantiques lents et intériorisés, qui reprennent les moments forts sous forme de méditation.
Compassion, abandon à la douleur, accablement sont les idées maîtresses de cette Passion.
Malheureusement la Passion selon Saint Matthieu ne fut pas comprise par les notables de Leipzig. Elle fut peu à peu délaissée et il faudra attendre Félix Mendelssohn au XIXe siècle, qui contribuera à la faire jouer avec succès.
La Passion selon Saint Matthieu de Jean-Sébastien Bach est l’un des grands chefs d’œuvre de la musique baroque sacrée.
– Guide la musique sacrée et chorale profane : l’âge baroque ( 1600-1750). – Fayard, les indispensables de la musique.
– Paule du Bouchet. – Magnificat Jean Sébastien Bach, le Cantor. – Découvertes Gallimard
– Luc-André Marcel.- Bach. – Seuil. – (Solfèges)
Réservez vos billets sur la billetterie en ligne
Photo M.Mautref – Art Street, Paris 13ème
Comme l’évoque Platon dans La République la musique et l’astronomie sont des disciplines soeurs. Pédagogique, commémoratif et ancré dans le présent, ce programme anniversaire exceptionnel, réunira 160 musiciens, chœur et orchestre, pour interpréter la considérable Symphonie de l’Espace de Maxime Aulio, labellisée et créée en 2009 à l’occasion de l’Année de l’Astronomie.
La Symphonie de l’Espace de Maxime Aulio nous transporte, à travers ces 6 mouvements et son interlude pour choeur, de la création du monde jusqu’aux confins de l’Univers, lieux de tous les mystères et questionnements.Traduisant l’universalité de ces interrogations, Maxime Aulio utilise pour la partie chantée des textes issus de différentes civilisations et domaines ; ainsi, la poésie japonaise côtoie des textes religieux en latin, les croyances mayas se mêlent à la science moderne de la NASA.
Cap Kennedy est une des pièces majeures du compositeur français Serge Lancen. Cette pièce descriptive a été composée en 1969 à l’occasion du lancement d’Apollo 11. Le succès de ce poème symphonique a rapidement dépassé les frontières de l’hexagone lui permettant de devenir une oeuvre de référence pour les orchestres d’harmonie.
Les oeuvres de Gabrieli (1557-1612) ont aussi un rapport avec l’espace mais dans une approche très différente. En effet, elles ont été écrites au début de la période baroque et ce sont les premières expériences de spacialisation sonore. Les musiciens installés en groupes autour du public placeront les spectateurs dans une sphère sonore.